澳门新莆京娱乐网站k培养舞蹈演员的音乐素养

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生活中,人们通常一提起舞蹈就会想到音乐;反过来,一提起音乐也会想到舞蹈。从古代的乐舞到现代的舞剧,光阴荏再,舞蹈与音乐这一对孪生姊妹始终保持着密切的关系,特别是在少数民族乐舞领域,二者的关系几乎到了相生相灭的程度,有歌必舞、有舞必歌。从舞蹈的角度看,半今世界上虽然有一些无音乐舞蹈作品的出现,但在总体趋势上舞面与首乐的必然联系仍然是一个客观要实。因此对于这一个客观事实的
探寻成为舞蹈教育界必然要涉及到明课题。
纵观音乐在舞蹈教育中的位置,我们不难发现,在艺术门类专业化的教育进程中,舞蹈与音乐的关系发生了~些微妙的变化。每一个步入专业舞蹈殿堂的学生,从进入教室的第一天起到他离开舞台一直都伴随着音乐成长,他的一举一动都与音乐相联系。从外在表象上,似乎随着舞蹈演员舞蹈技能的增长,他的音乐涵养也在潜移默化中被提高,他应该是一个具有良好音乐素养的人。但实际情况大多是没有专门针对专业舞蹈演员的音乐素质教育课程,没有在舞蹈教育中把音乐修养提到相应的高度,音乐在舞者的意识里只是一个背景,一种提供节拍的方式,他只会去感觉音乐而不会去感受音乐。这个问题在起步阶段可能不会暴露出太大的问题,但当舞者成长起来到达艺术的高级阶段时,会发现他的肢体已足够成熟,但他对音乐的感觉却仅停留在初级的感觉阶段。他并不真正理解音乐的内涵,无法从音乐的思维中去获得舞蹈之外更多元的营养,无法与音乐家达成对话,更无法在创作时把控音乐。而这时再谈补课已错过了少时启蒙教育中最好的时机,这样就出现了当今舞蹈与音乐教育之间普遍存在的一个断层现象。
这一现象造成的直接后果就是舞蹈编导与作曲家之间因相互误读而带来的矛盾。作曲家认为舞蹈编导剪辑过的音乐支离破碎,舞蹈编导则认为作曲家写的乐曲不符合舞蹈规律,双方无法在同一个语言平台上进行对话与交流,二者之间的人为裂痕使得这一对天然的伙伴反目为仇,阻碍了高质量舞蹈作品的产生。其实如果我们注重艺术家们早期的综合素质教育,这种矛盾不但可以解决,而且艺术家双方还能相互促进为作品增色。在这方面较为成功的例子是俄罗斯的音乐舞蹈教育,良好的教育使这一个国度产生了一大批为世界所瞩目的舞剧作品、舞蹈音乐大师、舞蹈编导大师、舞蹈表演大师例如大家都熟知的美籍俄裔芭蕾大师巴兰钦,不但是彼得堡皇家舞蹈学校的毕业生,而且还在彼得堡音乐学院学习了四年音乐,具有很好的音乐修养,以至于后来他成为西方交响芭蕾领路人也绝非偶然。他继承和发扬了俄罗斯交响芭蕾所取得的成就,把交响芭蕾推向一个新的高度。他按音乐思维的逻辑对舞蹈主题进行各种变奏,在我们眼前展现出一幅绚丽多彩的交响芭蕾画卷。
音乐在舞蹈作品中所处的位置是非常重要的。如果我们对音乐的认识仅仅停留在初级阶段,我们将会失去许多对我们有益的养分。目前在我们的教育系统中出现的舞蹈与音乐的断层现象,充分说明了在职业化的舞蹈教育中,在课堂上随机地听音乐以及一些较辅助性的音乐课程并不能解决舞蹈演员严重缺乏音乐素养的现状。而加强对音乐素养的培养是提高舞蹈人才素质的关键因素之一,促使舞者有意识地系统地对音乐进行学习是非常必要的。
那么,我们应如何在舞蹈教育中加强音乐素质的培养以改变舞蹈专业人员的音乐素养现状呢?我认为主要包括以下五个方面:
第一,对基础乐理知识的学习。随着舞蹈工作者对音乐感悟的不断加深,应不失时机地加强他们对乐理知识的掌握,这是通往音乐殿堂的必经之路。乐理知识可包括音高、音律、调式、音程、和弦、节拍和节奏、旋律知识等。第二,对音乐史的了解。音乐史可以使舞蹈工作者在音乐方面的知识更加丰富,在音乐史的回顾中介绍各个时代、各种乐派、备家名著的风格特点与艺术成就,使他们掌握不同的音乐风格,对音乐有更透彻的理解和认识。第三,对优秀音乐作品的欣赏。通过欣赏备流派音乐作品,对音乐家所创造的艺术形象或意境进行感受、领悟、理解,从而获得审美体验,得到赏心怡神的享受,提高音乐鉴赏力,为恰当地选择舞蹈音乐打下基础。第四,对视唱练耳课程的学习。视唱练耳可以培养舞蹈工作者对音乐的感受力,尤其是感受多声部音乐的能力。第五,对基础声乐、钢琴等课程的接触。学习乐理知识是非常枯燥的,可以在视口吕、练耳的基础上再辅以基础声乐、钢琴的练习,这样使枯燥乏味的内容生动起来,同时也调动了学生们学习乐理知识的积极性,并提高他们对音乐的理解力、感悟力。通过以上训练,使舞蹈工作者增强了音乐感受力、音乐理解力、音乐表达力等全面的音乐素养,有助于舞蹈表演和创作上升到一个新的台阶。
综上所述,当我们用心灵去感觉音乐时,就会感到无数的意象和感觉都随音乐涌出,成为我们表演的情感之源和内心的动力。因而只有舞蹈工作者具备了良好的音乐素养,才能够具备感受音乐、理解音乐的能力,并在音乐的启示下发挥艺术想像力,从而创造出完美的艺术形象。在教学方式上,音乐与舞蹈同属于文化的范畴,都是人类历史上最古老的艺术种类,二者在表现手段、物质媒介和艺术语言上备不相同,都决定了对音乐的学习与对舞蹈的学习一样需要严密的课程设置、需要严肃认真的态度、需要经历艰难磨练的过程

舞蹈是一门综合艺术,音乐和舞蹈就像一对姐妹。从观念到风格,从情感到节奏,从氛围到意境,都要和谐统一。在我们的舞蹈创作中,我们常常不同程度地鄙视音乐。舞蹈演员对音乐素质培养的忽视,潜移默化地影响着舞蹈艺术的发展。从这个意义上讲,加强舞蹈演员音乐素质的培养是一项紧迫的任务。

从古至今,舞蹈总是在音乐的伴奏下展示出来,《乐记·乐象篇》中说:“诗,言其志也,歌,咏其声也,舞动其容也,三者本于心,然后乐器从之。”在现实社会中,人们通常一提起舞蹈就会想到音乐;反过来,一提起音乐也会想到舞蹈。舞蹈与音乐如同一对孪生姊妹始终保持着形影不离的关系。鉴于此,研究和探讨舞蹈教育中培养音乐修养的必要性,自然而然地成为我们无法回避的重要课题。

一、音乐在舞蹈中的重要作用

一、舞蹈与音乐的关系

音乐在舞蹈艺术中的作用是非常重要的。”音乐是舞蹈的灵魂。音乐通过节奏和节奏来定义舞蹈动作的时间和速度,通过生动的艺术形象及其思想内容成为演员进入角色和情感表达的重要工具。音乐的展开过程也是舞者情感的展开过程。

舞蹈以人的肢体动作作为媒介,是空间、视觉的艺术,有形而无声。音乐以声音为物质媒介,是时间、空间、听觉的艺术,有声而无形。两者都是非语言性的艺术,不以清晰地讲述具体的概念为目的。在情感表达上都具有含蓄、写意而非直露、写实的特点,表现出宽泛、朦胧、虚拟、寓意、抒情的色彩。舞蹈需要音乐的情感激发和动作强化,离开音乐,舞蹈是难以充分表达感情的。音乐则可以通过舞蹈的形象动作,给人以更强烈的感染和震撼。从内涵分析来看,舞蹈与音乐之间存在的共同点之一是节奏。节奏是舞蹈动作构成的基本因素,也是音乐旋律构成的基本因素。如果没有音乐节奏的规范,舞蹈创作者将无法按照自我心中的节奏来进行编排动作。舞蹈与音乐的另一个共同点是抒情。舞蹈借助形态动作,便于表现情感的外部形态。音乐发挥韵律的悠扬,长于抒发复杂而强烈的内心情感。如果在舞蹈表演中配以优美的音乐,可以帮助舞蹈在整个表演过程中表达情绪,体现个性,烘托气氛,从而在形体动作与音乐旋律、节奏、速度、力度的有机结合中塑造完美、鲜明的舞蹈艺术形象,从精神层面对人的生活感情能力加以诱发,达到其他艺术形式无法替代甚至难以企及的艺术效果。

音乐在激励演员、激励他们完成艺术使命方面发挥着重要作用。

二、舞蹈教育中音乐修养的缺失

在古代,原始的诗歌、音乐和舞蹈是一个整体。在我国古代文学中,所谓“言之不足导致悲叹;哀之不足导致咏叹;咏叹之不足导致手舞足蹈”。当时的舞者也是歌手。在史前时期,音乐和舞蹈的结合非常紧密。古今中外,乐舞紧密合作的传统在民间歌舞中流传。

通过对音乐在舞蹈教育中位置的研究,我们不难发现,每一个步入专业舞蹈殿堂的学生,从进入教室的天起音乐就伴随着他的成长与进步,音乐与他的一举一动都紧密相联。从表象上看,似乎随着学员舞蹈技能的增长,他的音乐修养也在潜移默化中被提高,一个的舞蹈者也应该是一个具有良好音乐素养的人。但现实并非如此,由于在舞蹈学习中缺少专门的音乐素质教育课程,音乐修养没有随着舞蹈教育的深化而提到相应的高度。在许多舞蹈者的意识里,音乐只是一个背景,一种提供节拍的方式。只会感觉音乐而不会感受音乐是舞蹈者共有的缺陷。这个问题在学习舞蹈的起步阶段可能不会暴露出太大的问题,但当舞者成长起来到达艺术的阶段时,就会发现尽管自己肢体已足够成熟,而对音乐的感觉却仅停留在初级的感觉阶段。由于不能真正理解音乐的内涵,无法从音乐的思维中去获得舞蹈之外更多元的营养,无法与音乐家达成对话,更无法在创作时把控音乐。由此造成的直接后果就是舞蹈编导与作曲家之间的相互误读。舞蹈编导则认为作曲家写的乐曲不符合舞蹈规律,作曲家认为舞蹈编导剪辑过的音乐支离破碎,双方无法在同一个语言平台上进行对话与交流,阻碍了高质量舞蹈作品的产生。

随着历史的发展,音乐在舞蹈中的作用开始显现。19世纪下半叶,俄罗斯作曲家柴可夫斯基以其著名的三部天才作品《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》为舞曲开辟了一个交响性、抒情性、丰富多彩的广阔天地,使舞曲达到了与交响乐、歌剧音乐同等的思想深度。这种音乐使得缺乏音乐素质的导演和演员很难应对。他们用老办法任意切割和修改。音乐的整体性和戏剧观念的破坏,使得《天鹅湖》的首演失败。

三、舞蹈教育中培养音乐修养的有效策略

交响乐和歌剧是音乐中最深刻、最广泛的作品。当代舞者应该理解它并用它来创作好的作品。舞蹈演员音乐素养的提高对舞蹈艺术的发展起着重要的作用。

针对目前职业化的舞蹈教育中出现的舞蹈与音乐的断层现象,我们认识到:仅仅在课堂上随机地听音乐以及开设一些辅助性的音乐课程并不能解决舞蹈演员严重缺乏音乐素养的问题,只有采取切实可行的有效策略,才能促使舞者有意识地、系统地对音乐进行学习,培养和提高舞蹈专业人员的音乐修养。

二。音乐素养直接影响舞蹈演员的发展

1、加强基础乐理知识的学习。对基础乐理知识的熟练掌握是提高音乐修养的前提。在舞蹈工作者对音乐感悟不断加深的过程中,应不失时机地加强音高、音律、调式、音程、和弦、节拍和节奏、旋律知识等基础乐理知识的学习,为他们顺利走进音乐殿堂打好坚实的根基。

在舞蹈表演领域,演员是舞蹈美的直接创造者,舞蹈演员在舞台上表现出来的审美价值直接取决于演员自身的艺术水平。因此,他的知识水平、审美观念,以及他的想象力和身体表现力,特别是他的音乐素质,都决定了他是否是一个好演员。

2、丰富对音乐史的了解。通过了解各个时代、各种乐派、各位名家的音乐风格特点与艺术成就,可以使舞蹈工作者掌握不同的音乐风格,在音乐方面的知识更加丰富,对音乐有更透彻的理解和认识。

自古以来,舞蹈就成为音乐的形式,而音乐又成为舞蹈的声音。从音乐中的音位、动机、主题旋律和和声肌理到舞蹈中的元素、节奏、主题和环境氛围,一致性达到了相似的“同步”状态。我们可以从旋律中找到舞蹈表演的语言

3、开展音乐作品的欣赏。通过欣赏不同国家、不同流派、不同风格音乐作品,感受、领悟、理解音乐家创造的艺术形象或意境,获得音乐审美体验,提高音乐鉴赏能力,为恰当地选择舞蹈音乐打下基础。

从音乐的和声效果中,我们可以找到舞蹈表现的动机,从音调和图案中,我们可以找到舞蹈的动作、音调和比例感。

4、对视唱练耳课程的学习。视唱练耳可以培养舞蹈工作者对音乐的感受力,领悟抒情达意的“诀窍”,明确地域音乐风格和多声部音乐,扩展自己的艺术视野,丰富自己的艺术表现手段。

音乐也为我们提供了无限的想象力,提高了我们的形象思维能力。难怪雨果也被称为“音乐是思考的声音”。当我们用心去感受音乐时,我们会感受到无数的画面和情感随着音乐倾泻而出,成为我们表演的情感源泉和内在动力。

5、组织基础声乐、钢琴等训练。在音乐作品欣赏和视唱练耳的基础上,组织基础声乐、钢琴的练习,使枯燥乏味的乐理知识生动起来。在调动学生学习乐理知识积极性的同时,提高了他们对音乐的理解力、感悟力。

三目前,我国部分舞蹈演员对音乐素养的培养还不重视,阻碍了舞蹈作品的创作。

综上所述,当我们用心灵去感觉舞蹈和音乐时,就会越来越深刻地认识到:音乐与舞蹈是密不可分的。音乐是舞蹈的声音,舞蹈是音乐的形体。强化舞蹈教育中的音乐修养,是促进舞蹈与音乐完美结合的必然要求。只有努力使舞蹈工作者具备良好的音乐素养,培养起较高的感受音乐、理解音乐的能力,才能在音乐的启示下发挥艺术想象力,实现舞姿与音乐美感风格的统一,从而推动舞蹈表演和创作上升到一个新的台阶。

在编导方面,有些人习惯使用“长表”,无法了解自己所需要的音乐性质,也无法在“长表”上表明自己的真实要求,这就使得一次又一次地改变音乐很困难。

在现有音乐创作的同时,也存在着无法理解和处理音乐的现象,这使得舞蹈和音乐不仅在主题和意图上不一致,而且在节奏和节奏上也表现出不一致,这往往表现为两个高潮不能“同步”。而且由于编舞名义上是用音乐创作的,事实上是在为编舞动作寻找“搭档”,从而漏掉更多的漏洞。

在演员方面,舞蹈演员不能很好地理解和感受音乐,使他们的表演成为无源之水,无本之木。

上述现象使我们感到,培养一批懂舞蹈的音乐家和舞蹈演员已迫在眉睫。

舞蹈演员只有具备良好的音乐素质,才能感受和理解音乐,在音乐的启发下发挥自己的艺术想象力,从而创造出完美的艺术形象。

如何培养舞蹈演员的音乐素质

视唱练耳

培养舞者感受音乐的能力,尤其是实际的多部音乐,为视唱练耳打下良好的基础。我们应该以练习为主,借助键盘和钢琴快速提高。

音乐理论

随着舞者对音乐认识的加深,我们应抓住机遇,加强对音乐理论的掌握,这是通向音乐厅的必由之路。音乐理论知识可以包括音高、节奏、调式、音程、和弦、节拍和节奏、旋律知识等,学习音乐理论很枯燥。它可以在视唱练耳的基础上与钢琴练习相结合,使枯燥的练习生动起来。同时,也调动了学生学习音乐理论的积极性,提高了他们对音乐的理解和感知。

四、音乐欣赏

在提高舞者对音乐的感知和理解,拓展舞者知识面的基础上,通过音乐欣赏和音乐作品展示,充分邀请音乐海洋中的游客。体验不同音乐作品带来的感受,丰富和武装自己的音乐欣赏。

五、音乐史

为了丰富舞者的音乐知识,我们可以系统地学习音乐史。在音乐史回顾中,介绍了各个时代、音乐流派和名著的风格特点和艺术成就,使他们能够掌握不同的音乐风格,对音乐有更深入的了解和认识。通过以上训练,舞蹈演员提高了音乐情感、音乐理解、音乐表达等综合音乐素养,使舞蹈创作达到了一个新的水平。当今社会各领域发展迅速。只有具备良好的音乐素质,才能创作出优秀的艺术作品,展现时代气息,推动中国舞蹈事业的发展。

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